Les mouvements artistiques
L’art a évolué depuis l’origine de l’humanité. Les artistes proposent constamment de nouveaux styles artistiques. Un mouvement artistique est une tendance ou un style dans l’art avec une philosophie ou un objectif commun spécifique, suivi par un groupe d’artistes pendant une période de temps (généralement quelques mois, années ou décennies). Les mouvements artistiques étaient particulièrement importants dans l’art moderne, lorsque chaque mouvement consécutif était considéré comme un nouveau style d’avant-garde comme par exemple le concept récent Pencil Vs Camera. Il n’y a pas de règle lors du regroupement des mouvements artistiques. Cet article traite des principaux mouvements artistiques occidentaux, des styles artistiques et des concepts artistiques et de leur influence sur le monde d’aujourd’hui. Les images ci-dessous sont tirées de Wikipedia et appartiennent à leurs propriétaires respectifs.
1. Art Préhistorique (- 40 000 av. JC. - 4 000 av. JC.) Les origines de l’histoire de l’art remontent à des dizaines de milliers d’années à l’ère préhistorique, bien avant que des documents écrits ne soient conservés. Les premiers artefacts proviennent de l’ère paléolithique, ou de l’âge de la pierre, sous la forme de gravures rupestres, de gravures, d’images picturales, de sculptures et d’arrangements en pierre. L’art de cette période reposait sur l’utilisation de pigments naturels et de sculptures sur pierre pour créer des représentations d’objets, d’animaux et rituels qui régissaient l’existence d’une civilisation. L’un des exemples les plus célèbres est celui des peintures rupestres paléolithiques trouvées dans les grottes complexes de Lascaux en France et qui ont 20.000 ans.
2. Art Antique (- 4000 av. JC. - 400 ap. JC.) L’art ancien a été produit par des civilisations avancées, qui dans ce cas se réfèrent à celles avec une langue écrite établie. Ces civilisations comprenaient notamment la Mésopotamie, Égypte, Grèce, et ceux des Amériques. La plupart des œuvres d’art de cette période ont des objectifs similaires : raconter des histoires, décorer des objets utilitaires comme des bols et des armes, afficher des images religieuses et symboliques et démontrer un statut social. De nombreuses œuvres dépeignent des histoires de souverains, de dieux et de déesses. Des artistes du calibre de Picasso, Giacometti, Modigliani, Rodin ou Matisse, qui ont complètement révolutionné le panorama artistique de leur temps, se sont profondément inspirés de l’art antique. Picasso avait étudié l’art grec et romain antique lors de ses visites au Louvre pendant ses années d’études. Des références visuelles à l’Antiquité commencent à apparaître dans ses œuvres à partir de 1917, également connue sous le nom de « période classique » de Picasso. Les nus sculpturaux, les compositions classiques, mais aussi un intérêt pour les sujets tirés de la mythologie prévalent dans les œuvres de Picasso de cette époque. Les sculptures du Parthénon ont aussi profondément marqué August Rodin lorsqu’il les a vues pour la première fois au British Museum. 3. Art Médiéval (500-1400) Le Moyen Âge, souvent appelé « âge des ténèbres », a marqué une période de détérioration économique et culturelle après la chute de l’Empire romain en 476 après JC. Il couvre une vaste étendue de temps et de lieux, plus de 1000 ans d’art en Europe, et à certaines périodes en Asie occidentale et Afrique du Nord . Il comprend les grands mouvements et périodes artistiques, l’art national et régional, les genres, les reprises, l’artisanat des artistes et les artistes eux-mêmes. Un schéma généralement accepté comprend les phases ultérieures de art chrétien primitif, Art de la période de migration, Art byzantin, Art insulaire, Préroman, Art roman, et Art gothique, ainsi que de nombreuses autres périodes au sein de ces styles centraux. De plus, chaque région, principalement pendant la période en voie de devenir nations ou cultures, avait son propre style artistique distinct, tel comme art anglo-saxon ou Art viking. L’art médiéval a été produit dans de nombreux médias, et les œuvres survivent en grand nombre dans la sculpture, manuscrits enluminés, vitraux, métallurgie et mosaïques. L’art médiéval en Europe est né de l’héritage artistique de l’Empire romain et des traditions iconographiques de l’Église chrétienne primitive. Ces sources se sont mêlées à la vigoureuse culture artistique « barbare » de l’Europe du Nord pour produire un héritage artistique remarquable. Techniquement parlant, les artistes médiévaux ont fait beaucoup d’erreurs dans la façon dont ils ont rendu la perspective, les tons et les couleurs mais ce manque de précision a permis l’arrivée du perfectionnisme révolutionnaire de la Renaissance ou encore plus récemment des détails étonnants du mouvement du photoréalisme.
4. La Renaissance (1400-1600) Le style de peinture, de sculpture et d’art décoratif de la Renaissance se caractérise par un accent sur la nature et l’individualisme, la pensée de l’homme comme indépendant et autonome. Bien que ces idéaux aient été présents à la fin de la période médiévale, ils ont prospéré aux XVe et XVIe siècles, parallèlement aux changements économiques comme la sécularisation. La Renaissance a atteint son apogée à Florence, en Italie, en grande partie grâce aux Médicis, une riche famille de marchands qui soutenait résolument les arts et l’humanisme, une variété de croyances et de philosophies qui mettent l’accent sur l’humain . Des artistes italiens comme Filippo Brunelleschi ou Donatello ont été des innovateurs clés au cours de cette période. Voici quelques-unes des techniques qui ont été utilisées à la Renaissance et qui sont encore utilisées aujourd’hui par les peintres modernes traditionnels et même numériques : L’utilisation de la proportion. La véritable perspective linéaire a été formalisée plus tard, par Filippo Brunelleschi et Leon Battista Alberti. En plus de donner une présentation plus réaliste de l’art, cela a poussé les peintres de la Renaissance à composer plus de peintures. Une autre technique était le raccourcissement. Le terme raccourcissement fait référence à l’effet artistique de raccourcir les lignes d’un dessin afin de créer une illusion de perspective. Le Sfumato a aussi été une grande invention de la Renaissance. Le terme sfumato a été inventé par l’artiste italien de la Renaissance Léonard de Vinci et fait référence à une technique de peinture consistant à brouiller ou à adoucir les contours nets par un mélange subtil et progressif d’un ton dans un autre grâce à l’utilisation de glaçures fines pour donner l’illusion de profondeur ou de tridimensionnalité. Cela vient du mot italien sfumare qui signifie s’évaporer ou disparaître. L’origine latine est fumare, fumer. Enfin, la technique du clair-obscur. Le terme clair-obscur fait référence à l’effet de modélisation de la peinture consistant à utiliser un fort contraste entre la lumière et l’obscurité pour donner l’illusion de profondeur ou de la tridimensionnalité. Cela vient des mots italiens signifiant clair (chiaro) et sombre (scuro), une technique qui s’est largement répandue à l’époque baroque.
5. Maniérisme (1527-1580) Le maniérisme comprend une variété d’approches influencées par les idéaux harmonieux associés à des artistes tels que Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange. Là où l’art de la Haute Renaissance met l’accent sur les proportions, l’équilibre et la beauté idéale, le maniérisme exagère ces qualités, aboutissant souvent à des compositions asymétriques ou anormalement élégantes. Remarquable pour ses qualités artificielles (par opposition aux naturalistes), ce style artistique privilégie la tension et l’instabilité de la composition plutôt que l’équilibre et la clarté de la peinture de la Renaissance antérieure. Le maniérisme dans la littérature et la musique est remarquable pour son style très fleuri et sa sophistication intellectuelle. La définition du maniérisme et ses phases continuent d’être un sujet de débat parmi les historiens de l’art. Par exemple, certains chercheurs ont appliqué cette étiquette à certaines formes de littérature moderne (en particulier la poésie) et à la musique des XVIe et XVIIe siècles. Le mot Maniérisme vient d’un mot italien Maniera qui signifie « Manière » ou « Style ». Mais de nombreux historiens de l’art ont des points de vue différents sur le mot maniérisme, mais beaucoup le reconnaissent et l’identifient encore à la culture européenne du XVIe siècle. Le terme est également utilisé pour désigner certains peintres gothiques tardifs travaillant dans le nord de l’Europe entre 1500 et 1530 environ, en particulier les maniéristes anversois, un groupe sans rapport avec le mouvement italien. Le maniérisme a également été appliqué par analogie à l’âge d’argent de la littérature latine.
6. Baroque (1600-1750) Le terme baroque, dérivé du portugais ‘barocco’ qui signifie ‘perle ou pierre irrégulière’, est un mouvement artistique et architectural développé en Europe du XVIIe au milieu du XVIIIe siècle. Le baroque met l’accent sur un mouvement dramatique et exagéré et sur des détails clairs et faciles à interpréter, ce qui est loin du surréalisme, pour produire du drame, de la tension, de l’exubérance et de la grandeur. Le style baroque utilisait le contraste, le mouvement, les détails exubérants, les couleurs profondes, la grandeur et la surprise pour créer un sentiment de crainte. Le style a commencé au début du XVIIe siècle à Rome, puis s’est répandu rapidement en France, au nord de l’Italie, en Espagne et au Portugal, puis en Autriche, au sud de l’Allemagne et en Russie. Dans les années 1730, il avait évolué vers un style encore plus flamboyant, appelé rocaille ou rococo, qui est apparu en France et en Europe centrale jusqu’au milieu ou à la fin du XVIIIe siècle. Dans les arts décoratifs, le style emploie une ornementation abondante et complexe. Une caractéristique générale réside dans les éléments ornementaux introduits par la Renaissance. Le répertoire classique est encombré, dense, imbriqué, chargé, afin de provoquer des effets de choc. Les nouveaux motifs introduits par le baroque sont : les trophées et armes, les corbeilles de fruits ou de fleurs, et autres, réalisés en marqueterie, stuc, ou sculptés. Comme d’autres périodes artistiques, l’art baroque a lentement décliné et de nombreux autres styles d’art sont apparus et l’ont remplacé. Même si d’autres styles artistiques sont apparus, l’art baroque a influencé l’art post-moderne, le design graphique moderne et le design d’intérieur moderne. L’art post-moderne est influencé par l’art baroque car il représente le rejet du nouvel art moderne. L’art baroque offre aux artistes une échappatoire au mouvement artistique dominant. L’art baroque est très extravagant et puissant, ce qui donne à l’artiste contemporain plus de liberté pour créer et imaginer des figures, des idées et des scènes. 7. Néoclassicisme (1750-1850) Le néoclassicisme met en place des principes incorporés dans les styles, les théories ou les philosophies des différents types d’art de la Grèce et de la Rome antiques, se concentrant sur les formes traditionnelles en mettant l’accent sur l’élégance et la symétrie. Au début et au milieu du XVIIIe siècle, l’art baroque a cédé la place au Rococo décadent et fantaisiste. Plus tard, vers 1780, ce style frivole a été remplacé par le prochain grand renouveau de l’art classique, connu sous le nom de Néoclassicisme. Défendu par le savant Johann Winckelmann (1717-68), ce nouveau style est illustré par la peinture néoclassique de Jacques-Louis David (1748-1825) ; les photos de son disciple J.A.D. Ingres (1780-1867) ; la sculpture néoclassique d’Antonio Canova (1757-1822) ; et l’architecture de designers comme Jacques Soufflot (1713-80), Thomas Jefferson (1743-1826) et d’autres.
8. Romantisme (1780-1850) Le Romantisme était un mouvement artistique, littéraire, musical et intellectuel qui est né en Europe vers la fin du XVIIIe siècle, et dans la plupart des régions était à son apogée dans la période de 1800 à 1850. Le romantisme se caractérisait par son accent sur l’émotion et l’individualisme ainsi que la glorification du passé et de la nature, préférant le médiéval plutôt que le classique. C’était en partie une réaction à la révolution industrielle, aux normes sociales et politiques aristocratiques du siècle des Lumières et à la rationalisation scientifique de la nature. Parmi les attitudes caractéristiques du romantisme figuraient les suivantes : une appréciation approfondie des beautés de la nature ; une exaltation générale de l’émotion sur la raison et des sens sur l’intellect ; un repli sur soi et un examen approfondi de la personnalité humaine, de ses humeurs et de ses potentialités psychologiques ; une préoccupation pour le génie, le héros l’exceptionnel et une concentration sur ses passions et ses luttes intérieures; une nouvelle vision de l’artiste en tant que créateur suprêmement individuel, dont l’esprit créatif est plus important que le strict respect des règles formelles et des procédures traditionnelles. Dans ce mouvement, l’accent est mis sur l’imagination en tant que passerelle vers des expériences transcendantales et la vérité spirituelle ; un intérêt obsessionnel pour la culture populaire, les origines culturelles nationales et ethniques, et l’ère médiévale ; et enfin une prédilection pour l’exotique, le lointain, le mystérieux, l’étrange, l’occulte, le monstrueux et même le satanique. L’individu était prisé, mais on sentait aussi que les gens avaient une obligation envers leurs semblables : l’engagement personnel envers le groupe était donc important. Aujourd’hui, le romantisme peut être trouvé dans un large éventail de films, de télévision, de littérature, de musique et d’art. Qu’il s’agisse d’un accent sur le pouvoir éternel de la nature ou d’une réaction viscérale du public à une oeuvre, la société contemporaine est pleine de romantisme. Notre concentration culturelle sur l’individualisme, la liberté et le désir de protéger la nature ainsi que les fantasmes sur les périodes historiques viennent du romantisme ! Le romantisme a influencé des idéologies politiques récentes, invitant par exemple à s’engager pour la cause des pauvres et des opprimés et avec des idéaux d’émancipation sociale et de progrès.
9. Réalisme (1848-1900) Le réalisme est un genre d’art qui a commencé en France après la Révolution Française de 1848. Refusant clairement le romantisme, le style dominant qui l’avait précédé, les peintres réalistes se sont concentrés sur des scènes de personnes contemporaines et de la vie quotidienne. Ce qui peut sembler normal maintenant était révolutionnaire après des siècles de peinture représentant des scènes exotiques de la mythologie et de la Bible, ou créant des portraits de la noblesse et du clergé. Le réalisme est le résultat de multiples événements : le mouvement anti-romantique en Allemagne, la montée du journalisme et l’avènement de la photographie. L’un des leaders les plus influents du mouvement réaliste est Gustave Courbet, un artiste français engagé à ne peindre que ce il pouvait voir physiquement.
10. Impressionnisme (1865-1895) L’Impressionnisme était un mouvement artistique radical qui a commencé à la fin des années 1800, centré principalement autour des peintres parisiens. Les Impressionnistes se sont rebellés contre les sujets classiques et ont embrassé la modernité, désireux de créer des œuvres qui reflètent le monde dans lequel ils vivaient. Les unir était un focus sur la façon dont la lumière pouvait définir un moment dans le temps, la couleur fournissant une définition au lieu des lignes noires. Les impressionnistes ont mis l’accent sur la pratique de la peinture en plein air, ou de la peinture à l’extérieur. Initialement tourné en dérision par les critiques, l’impressionnisme a depuis été adopté comme l’un des styles artistiques les plus populaires et les plus influents de l’histoire occidentale. L’Impressionnisme a été considéré comme la toute première forme de peinture moderne. Cela a commencé en France comme un art formel qui s’est ensuite étendu à d’autres parties du monde. Il s’appuie sur la présence de lumière et de coups de pinceaux pour montrer la nature d’un sujet. Évident entre les années 1860 et 1870. Il était associé à des sensations de croquis rapides et suspendues. Les impressionnistes pouvaient centrer leurs œuvres sur le monde moderne. Ils dépendaient de ce qui s’était passé plutôt que de questions historiques ou religieuses. Un artiste français, du nom de Claude Monet, a rendu populaire l’Impressionnisme. Il s’intéressa particulièrement au passage du temps dans sa représentation de la lumière. Sa série de peintures capturant la cathédrale de Rouen à différents moments de l’année et de la journée offre des exemples clairs de ses idées sur la façon dont un sujet peut être transformé par les propriétés qui l’entourent. Son plus célèbre tableau de cette série est la cathédrale de Rouen de 1894 : La façade au coucher du soleil. Monet a étendu sa pratique impressionniste tout au long de sa vie, culminant dans ses multiples études de l’étang aux nénuphars, réalisées de 1898 à 1926, dont les dernières œuvres de la série (réalisées juste avant sa mort) atteignent une qualité presque abstraite. Le post-impressionnisme était plutôt une réaction contre l’impressionnisme, qu’il jugeait trop étouffant. Les post-Impressionnistes ont choisi de dépeindre non seulement ce qui était tangible, en adoptant une approche plus symbolique et émotive de leur sujet, en particulier dans l’utilisation des couleurs, ce qui n’était pas nécessaire pour exprimer le réalisme. Dans le post-impressionnisme, les œuvres d’art ont mis davantage l’accent sur les couleurs et moins sur la lumière.
11. Pointillisme (1880-1891) Également connu sous le nom d' »art par points », Le pointillisme est une technique de peinture mise au point par les artistes français Georges Seurat et Paul Signac. Le duo s’est éloigné de ses amis impressionnistes pour transformer leurs petites touches de peinture et leurs traits en points de couleur distincts qui, lorsqu’ils sont appliqués en masse, forment des images cohérentes, détaillées et dimensionnelles (un peu comme nos pixels modernes, si vous voulez). Le pointillisme impliquait l’application de peinture en points soigneusement placés de couleur pure et non mélangée. Selon Seurat et Signac, ceux-ci seraient mélangés par l’œil du spectateur pour créer une image plus frappante qu’une oeuvre dont les couleurs ont été mélangées de manière conventionnelle sur une palette. Vincent van Gogh, qui a connu Seurat et Signac lors de son séjour à Paris de 1886 à 1888, a eu une brève association avec le pointillisme. Certes, certaines de ses peintures de cette période parisienne – comme l’Autoportrait de 1887 – montrent des traces de cette influence. (Après une visite à l’atelier de Seurat un jour, il a affirmé avoir vécu une « révélation de la couleur ».) Il est généralement admis, cependant, que van Gogh était un esprit trop agité pour un style aussi technique que le pointillisme. Le pointillisme a eu un impact important sur les mouvements artistiques ultérieurs qui ont également donné leurs noms en fonction des formes utilisées dans le mouvement artistique tels que le Cubisme ou le Digital Circlism.
12. Symbolisme (1880-1910) Le Symbolisme était un mouvement artistique de la fin du XIXe siècle d’origine française, russe et belge trouvant sa naissance dans la poésie et d’autres arts cherchant à représenter symboliquement des vérités absolues à travers des images métaphoriques et un langage principalement en réaction contre le naturalisme et le réalisme. En littérature, le style trouve son origine avec la publication en 1857 des Fleurs du Mal de Charles Baudelaire. Les œuvres d’Edgar Allan Poe, que Baudelaire admirait beaucoup et traduisaient en français, ont été une influence significative. L’esthétique a été développée par Stéphane Mallarmé et Paul Verlaine au cours des années 1860 et 1870. Dans les années 1880, l’esthétique s’articule autour d’une série de manifestes et attire une génération d’écrivains. Le terme « symboliste » a été appliqué pour la première fois par le critique Jean Moréas, qui a inventé le terme pour distinguer les symbolistes des décadents apparentés de la littérature et de l’art. En tant que forme d’art et moyen de transmission des déclarations philosophiques, le symbolisme a eu une grande influence dans la culture. Il y a littéralement des milliers de symboles conscients et inconscients utilisés chaque jour par tout le monde ; notre connaissance de ces symboles et de leurs origines n’est limitée que par notre désir de comprendre d’où ils viennent. Par exemple, de nombreux symboles utilisés dans le gouvernement des États-Unis sont issus du symbolisme maçonnique. La pyramide et l’œil qui voit tout sur le papier-monnaie en est un bon exemple ; nulle part dans la mythologie des États-Unis il n’y a de pyramide, ni d’œil autre que celui de Dieu. En fait, la pyramide est censée symboliser le pouvoir et la force, comme l’a déclaré explicitement Charles Thomson, le designer. Enfin, un bon exemple de symbolisme dans le monde moderne est l’omniprésence des marques de commerce, les insignes qui identifient instantanément les personnes, les lieux et les choses. Étant donné que l’insigne est destiné à représenter pleinement son propriétaire – les « Golden Arches » signifient MacDonald’s, le « Swoosh » signifie Nike – nous sommes formés pour reconnaître tous les aspects du propriétaire dans la marque d’identification.
13. Art Nouveau (1890-1910) Il s’agit d’un style international d’art, d’architecture et de art appliqué, en particulier les arts décoratifs, connus dans différentes langues par différents noms : Jugendstil en allemand, Stile Liberty en italien, Modernisme català en catalan, etc. En anglais, il est également connu sous le nom de Style moderne. Le style était le plus populaire entre 1890 et 1910. C’était une réaction contre l’art académique, éclectisme et historicisme du XIXe siècle architecture et décoration. Il s’inspire souvent de formes naturelles telles que les courbes sinueuses des plantes et des fleurs. D’autres caractéristiques de l’Art nouveau étaient un sens du dynamisme et du mouvement, souvent donné par l’asymétrie ou les lignes de coup de fouet, et utilisation de matériaux modernes, en particulier le fer, le verre, la céramique et plus tard le béton, pour créer des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts. des lignes de coup de fouet et l’utilisation de matériaux modernes, en particulier le fer, le verre, la céramique et plus tard le béton, pour créer des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts. L’un des objectifs majeurs de l’Art Nouveau était de briser la distinction traditionnelle entre les beaux-arts (en particulier la peinture et la sculpture) et les arts appliqués. Il a été le plus largement utilisé dans la décoration d’intérieur, les arts graphiques, l’ameublement, l’art du verre, les textiles, la céramique, la bijouterie et le travail du métal. De Belgique et de France, il s’est répandu dans le reste de l’Europe, prenant des noms et des caractéristiques différents dans chaque pays et il a eu une influence notable sur tous les mouvements artistiques suivants.