Les mouvements artistiques

L’art a évolué depuis l’origine de l’humanité. Les artistes proposent constamment de nouveaux styles artistiques. Un mouvement artistique est une tendance ou un style dans l’art avec une philosophie ou un objectif commun spécifique, suivi par un groupe d’artistes pendant une période de temps (généralement quelques mois, années ou décennies). Les mouvements artistiques étaient particulièrement importants dans l’art moderne, lorsque chaque mouvement consécutif était considéré comme un nouveau style d’avant-garde comme par exemple le concept récent Pencil Vs Camera. Il n’y a pas de règle lors du regroupement des mouvements artistiques. Cet article traite des principaux mouvements artistiques occidentaux, des styles artistiques et des concepts artistiques et de leur influence sur le monde d’aujourd’hui. Les images ci-dessous sont tirées de Wikipedia et appartiennent à leurs propriétaires respectifs.

1. Art Préhistorique (- 40 000 av. JC. - 4 000 av. JC.) Les origines de l’histoire de l’art remontent à des dizaines de milliers d’années à l’ère préhistorique, bien avant que des documents écrits ne soient conservés. Les premiers artefacts proviennent de l’ère paléolithique, ou de l’âge de la pierre, sous la forme de gravures rupestres, de gravures, d’images picturales, de sculptures et d’arrangements en pierre. L’art de cette période reposait sur l’utilisation de pigments naturels et de sculptures sur pierre pour créer des représentations d’objets, d’animaux et rituels qui régissaient l’existence d’une civilisation. L’un des exemples les plus célèbres est celui des peintures rupestres paléolithiques trouvées dans les grottes complexes de Lascaux en France et qui ont 20.000 ans.

2. Art Antique (- 4000 av. JC. - 400 ap. JC.) L’art ancien a été produit par des civilisations avancées, qui dans ce cas se réfèrent à celles avec une langue écrite établie. Ces civilisations comprenaient notamment la Mésopotamie, Égypte, Grèce, et ceux des Amériques. La plupart des œuvres d’art de cette période ont des objectifs similaires : raconter des histoires, décorer des objets utilitaires comme des bols et des armes, afficher des images religieuses et symboliques et démontrer un statut social. De nombreuses œuvres dépeignent des histoires de souverains, de dieux et de déesses. Des artistes du calibre de Picasso, Giacometti, Modigliani, Rodin ou Matisse, qui ont complètement révolutionné le panorama artistique de leur temps, se sont profondément inspirés de l’art antique. Picasso avait étudié l’art grec et romain antique lors de ses visites au Louvre pendant ses années d’études. Des références visuelles à l’Antiquité commencent à apparaître dans ses œuvres à partir de 1917, également connue sous le nom de « période classique » de Picasso. Les nus sculpturaux, les compositions classiques, mais aussi un intérêt pour les sujets tirés de la mythologie prévalent dans les œuvres de Picasso de cette époque. Les sculptures du Parthénon ont aussi profondément marqué August Rodin lorsqu’il les a vues pour la première fois au British Museum. 3. Art Médiéval (500-1400) Le Moyen Âge, souvent appelé « âge des ténèbres », a marqué une période de détérioration économique et culturelle après la chute de l’Empire romain en 476 après JC. Il couvre une vaste étendue de temps et de lieux, plus de 1000 ans d’art en Europe, et à certaines périodes en Asie occidentale et Afrique du Nord . Il comprend les grands mouvements et périodes artistiques, l’art national et régional, les genres, les reprises, l’artisanat des artistes et les artistes eux-mêmes. Un schéma généralement accepté comprend les phases ultérieures de art chrétien primitif, Art de la période de migration, Art byzantin, Art insulaire, Préroman, Art roman, et Art gothique, ainsi que de nombreuses autres périodes au sein de ces styles centraux. De plus, chaque région, principalement pendant la période en voie de devenir nations ou cultures, avait son propre style artistique distinct, tel comme art anglo-saxon ou Art viking. L’art médiéval a été produit dans de nombreux médias, et les œuvres survivent en grand nombre dans la sculpture, manuscrits enluminés, vitraux, métallurgie et mosaïques. L’art médiéval en Europe est né de l’héritage artistique de l’Empire romain et des traditions iconographiques de l’Église chrétienne primitive. Ces sources se sont mêlées à la vigoureuse culture artistique « barbare » de l’Europe du Nord pour produire un héritage artistique remarquable. Techniquement parlant, les artistes médiévaux ont fait beaucoup d’erreurs dans la façon dont ils ont rendu la perspective, les tons et les couleurs mais ce manque de précision a permis l’arrivée du perfectionnisme révolutionnaire de la Renaissance ou encore plus récemment des détails étonnants du mouvement du photoréalisme.

4. La Renaissance (1400-1600) Le style de peinture, de sculpture et d’art décoratif de la Renaissance se caractérise par un accent sur la nature et l’individualisme, la pensée de l’homme comme indépendant et autonome. Bien que ces idéaux aient été présents à la fin de la période médiévale, ils ont prospéré aux XVe et XVIe siècles, parallèlement aux changements économiques comme la sécularisation. La Renaissance a atteint son apogée à Florence, en Italie, en grande partie grâce aux Médicis, une riche famille de marchands qui soutenait résolument les arts et l’humanisme, une variété de croyances et de philosophies qui mettent l’accent sur l’humain . Des artistes italiens comme Filippo Brunelleschi ou Donatello ont été des innovateurs clés au cours de cette période. Voici quelques-unes des techniques qui ont été utilisées à la Renaissance et qui sont encore utilisées aujourd’hui par les peintres modernes traditionnels et même numériques : L’utilisation de la proportion. La véritable perspective linéaire a été formalisée plus tard, par Filippo Brunelleschi et Leon Battista Alberti. En plus de donner une présentation plus réaliste de l’art, cela a poussé les peintres de la Renaissance à composer plus de peintures. Une autre technique était le raccourcissement. Le terme raccourcissement fait référence à l’effet artistique de raccourcir les lignes d’un dessin afin de créer une illusion de perspective. Le Sfumato a aussi été une grande invention de la Renaissance. Le terme sfumato a été inventé par l’artiste italien de la Renaissance Léonard de Vinci et fait référence à une technique de peinture consistant à brouiller ou à adoucir les contours nets par un mélange subtil et progressif d’un ton dans un autre grâce à l’utilisation de glaçures fines pour donner l’illusion de profondeur ou de tridimensionnalité. Cela vient du mot italien sfumare qui signifie s’évaporer ou disparaître. L’origine latine est fumare, fumer. Enfin, la technique du clair-obscur. Le terme clair-obscur fait référence à l’effet de modélisation de la peinture consistant à utiliser un fort contraste entre la lumière et l’obscurité pour donner l’illusion de profondeur ou de la tridimensionnalité. Cela vient des mots italiens signifiant clair (chiaro) et sombre (scuro), une technique qui s’est largement répandue à l’époque baroque.

5. Maniérisme (1527-1580) Le maniérisme comprend une variété d’approches influencées par les idéaux harmonieux associés à des artistes tels que Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange. Là où l’art de la Haute Renaissance met l’accent sur les proportions, l’équilibre et la beauté idéale, le maniérisme exagère ces qualités, aboutissant souvent à des compositions asymétriques ou anormalement élégantes. Remarquable pour ses qualités artificielles (par opposition aux naturalistes), ce style artistique privilégie la tension et l’instabilité de la composition plutôt que l’équilibre et la clarté de la peinture de la Renaissance antérieure. Le maniérisme dans la littérature et la musique est remarquable pour son style très fleuri et sa sophistication intellectuelle. La définition du maniérisme et ses phases continuent d’être un sujet de débat parmi les historiens de l’art. Par exemple, certains chercheurs ont appliqué cette étiquette à certaines formes de littérature moderne (en particulier la poésie) et à la musique des XVIe et XVIIe siècles. Le mot Maniérisme vient d’un mot italien Maniera qui signifie « Manière » ou « Style ». Mais de nombreux historiens de l’art ont des points de vue différents sur le mot maniérisme, mais beaucoup le reconnaissent et l’identifient encore à la culture européenne du XVIe siècle. Le terme est également utilisé pour désigner certains peintres gothiques tardifs travaillant dans le nord de l’Europe entre 1500 et 1530 environ, en particulier les maniéristes anversois, un groupe sans rapport avec le mouvement italien. Le maniérisme a également été appliqué par analogie à l’âge d’argent de la littérature latine.

6. Baroque (1600-1750) Le terme baroque, dérivé du portugais ‘barocco’ qui signifie ‘perle ou pierre irrégulière’, est un mouvement artistique et architectural développé en Europe du XVIIe au milieu du XVIIIe siècle. Le baroque met l’accent sur un mouvement dramatique et exagéré et sur des détails clairs et faciles à interpréter, ce qui est loin du surréalisme, pour produire du drame, de la tension, de l’exubérance et de la grandeur. Le style baroque utilisait le contraste, le mouvement, les détails exubérants, les couleurs profondes, la grandeur et la surprise pour créer un sentiment de crainte. Le style a commencé au début du XVIIe siècle à Rome, puis s’est répandu rapidement en France, au nord de l’Italie, en Espagne et au Portugal, puis en Autriche, au sud de l’Allemagne et en Russie. Dans les années 1730, il avait évolué vers un style encore plus flamboyant, appelé rocaille ou rococo, qui est apparu en France et en Europe centrale jusqu’au milieu ou à la fin du XVIIIe siècle. Dans les arts décoratifs, le style emploie une ornementation abondante et complexe. Une caractéristique générale réside dans les éléments ornementaux introduits par la Renaissance. Le répertoire classique est encombré, dense, imbriqué, chargé, afin de provoquer des effets de choc. Les nouveaux motifs introduits par le baroque sont : les trophées et armes, les corbeilles de fruits ou de fleurs, et autres, réalisés en marqueterie, stuc, ou sculptés. Comme d’autres périodes artistiques, l’art baroque a lentement décliné et de nombreux autres styles d’art sont apparus et l’ont remplacé. Même si d’autres styles artistiques sont apparus, l’art baroque a influencé l’art post-moderne, le design graphique moderne et le design d’intérieur moderne. L’art post-moderne est influencé par l’art baroque car il représente le rejet du nouvel art moderne. L’art baroque offre aux artistes une échappatoire au mouvement artistique dominant. L’art baroque est très extravagant et puissant, ce qui donne à l’artiste contemporain plus de liberté pour créer et imaginer des figures, des idées et des scènes. 7. Néoclassicisme (1750-1850) Le néoclassicisme met en place des principes incorporés dans les styles, les théories ou les philosophies des différents types d’art de la Grèce et de la Rome antiques, se concentrant sur les formes traditionnelles en mettant l’accent sur l’élégance et la symétrie. Au début et au milieu du XVIIIe siècle, l’art baroque a cédé la place au Rococo décadent et fantaisiste. Plus tard, vers 1780, ce style frivole a été remplacé par le prochain grand renouveau de l’art classique, connu sous le nom de Néoclassicisme. Défendu par le savant Johann Winckelmann (1717-68), ce nouveau style est illustré par la peinture néoclassique de Jacques-Louis David (1748-1825) ; les photos de son disciple J.A.D. Ingres (1780-1867) ; la sculpture néoclassique d’Antonio Canova (1757-1822) ; et l’architecture de designers comme Jacques Soufflot (1713-80), Thomas Jefferson (1743-1826) et d’autres.

8. Romantisme (1780-1850) Le Romantisme était un mouvement artistique, littéraire, musical et intellectuel qui est né en Europe vers la fin du XVIIIe siècle, et dans la plupart des régions était à son apogée dans la période de 1800 à 1850. Le romantisme se caractérisait par son accent sur l’émotion et l’individualisme ainsi que la glorification du passé et de la nature, préférant le médiéval plutôt que le classique. C’était en partie une réaction à la révolution industrielle, aux normes sociales et politiques aristocratiques du siècle des Lumières et à la rationalisation scientifique de la nature. Parmi les attitudes caractéristiques du romantisme figuraient les suivantes : une appréciation approfondie des beautés de la nature ; une exaltation générale de l’émotion sur la raison et des sens sur l’intellect ; un repli sur soi et un examen approfondi de la personnalité humaine, de ses humeurs et de ses potentialités psychologiques ; une préoccupation pour le génie, le héros l’exceptionnel et une concentration sur ses passions et ses luttes intérieures; une nouvelle vision de l’artiste en tant que créateur suprêmement individuel, dont l’esprit créatif est plus important que le strict respect des règles formelles et des procédures traditionnelles. Dans ce mouvement, l’accent est mis sur l’imagination en tant que passerelle vers des expériences transcendantales et la vérité spirituelle ; un intérêt obsessionnel pour la culture populaire, les origines culturelles nationales et ethniques, et l’ère médiévale ; et enfin une prédilection pour l’exotique, le lointain, le mystérieux, l’étrange, l’occulte, le monstrueux et même le satanique. L’individu était prisé, mais on sentait aussi que les gens avaient une obligation envers leurs semblables : l’engagement personnel envers le groupe était donc important. Aujourd’hui, le romantisme peut être trouvé dans un large éventail de films, de télévision, de littérature, de musique et d’art. Qu’il s’agisse d’un accent sur le pouvoir éternel de la nature ou d’une réaction viscérale du public à une oeuvre, la société contemporaine est pleine de romantisme. Notre concentration culturelle sur l’individualisme, la liberté et le désir de protéger la nature ainsi que les fantasmes sur les périodes historiques viennent du romantisme ! Le romantisme a influencé des idéologies politiques récentes, invitant par exemple à s’engager pour la cause des pauvres et des opprimés et avec des idéaux d’émancipation sociale et de progrès.

9. Réalisme (1848-1900) Le réalisme est un genre d’art qui a commencé en France après la Révolution Française de 1848. Refusant clairement le romantisme, le style dominant qui l’avait précédé, les peintres réalistes se sont concentrés sur des scènes de personnes contemporaines et de la vie quotidienne. Ce qui peut sembler normal maintenant était révolutionnaire après des siècles de peinture représentant des scènes exotiques de la mythologie et de la Bible, ou créant des portraits de la noblesse et du clergé. Le réalisme est le résultat de multiples événements : le mouvement anti-romantique en Allemagne, la montée du journalisme et l’avènement de la photographie. L’un des leaders les plus influents du mouvement réaliste est Gustave Courbet, un artiste français engagé à ne peindre que ce il pouvait voir physiquement.

10. Impressionnisme (1865-1895) L’Impressionnisme était un mouvement artistique radical qui a commencé à la fin des années 1800, centré principalement autour des peintres parisiens. Les Impressionnistes se sont rebellés contre les sujets classiques et ont embrassé la modernité, désireux de créer des œuvres qui reflètent le monde dans lequel ils vivaient. Les unir était un focus sur la façon dont la lumière pouvait définir un moment dans le temps, la couleur fournissant une définition au lieu des lignes noires. Les impressionnistes ont mis l’accent sur la pratique de la peinture en plein air, ou de la peinture à l’extérieur. Initialement tourné en dérision par les critiques, l’impressionnisme a depuis été adopté comme l’un des styles artistiques les plus populaires et les plus influents de l’histoire occidentale. L’Impressionnisme a été considéré comme la toute première forme de peinture moderne. Cela a commencé en France comme un art formel qui s’est ensuite étendu à d’autres parties du monde. Il s’appuie sur la présence de lumière et de coups de pinceaux pour montrer la nature d’un sujet. Évident entre les années 1860 et 1870. Il était associé à des sensations de croquis rapides et suspendues. Les impressionnistes pouvaient centrer leurs œuvres sur le monde moderne. Ils dépendaient de ce qui s’était passé plutôt que de questions historiques ou religieuses. Un artiste français, du nom de Claude Monet, a rendu populaire l’Impressionnisme. Il s’intéressa particulièrement au passage du temps dans sa représentation de la lumière. Sa série de peintures capturant la cathédrale de Rouen à différents moments de l’année et de la journée offre des exemples clairs de ses idées sur la façon dont un sujet peut être transformé par les propriétés qui l’entourent. Son plus célèbre tableau de cette série est la cathédrale de Rouen de 1894 : La façade au coucher du soleil. Monet a étendu sa pratique impressionniste tout au long de sa vie, culminant dans ses multiples études de l’étang aux nénuphars, réalisées de 1898 à 1926, dont les dernières œuvres de la série (réalisées juste avant sa mort) atteignent une qualité presque abstraite. Le post-impressionnisme était plutôt une réaction contre l’impressionnisme, qu’il jugeait trop étouffant. Les post-Impressionnistes ont choisi de dépeindre non seulement ce qui était tangible, en adoptant une approche plus symbolique et émotive de leur sujet, en particulier dans l’utilisation des couleurs, ce qui n’était pas nécessaire pour exprimer le réalisme. Dans le post-impressionnisme, les œuvres d’art ont mis davantage l’accent sur les couleurs et moins sur la lumière.

11. Pointillisme (1880-1891) Également connu sous le nom d' »art par points », Le pointillisme est une technique de peinture mise au point par les artistes français Georges Seurat et Paul Signac. Le duo s’est éloigné de ses amis impressionnistes pour transformer leurs petites touches de peinture et leurs traits en points de couleur distincts qui, lorsqu’ils sont appliqués en masse, forment des images cohérentes, détaillées et dimensionnelles (un peu comme nos pixels modernes, si vous voulez). Le pointillisme impliquait l’application de peinture en points soigneusement placés de couleur pure et non mélangée. Selon Seurat et Signac, ceux-ci seraient mélangés par l’œil du spectateur pour créer une image plus frappante qu’une oeuvre dont les couleurs ont été mélangées de manière conventionnelle sur une palette. Vincent van Gogh, qui a connu Seurat et Signac lors de son séjour à Paris de 1886 à 1888, a eu une brève association avec le pointillisme. Certes, certaines de ses peintures de cette période parisienne – comme l’Autoportrait de 1887 – montrent des traces de cette influence. (Après une visite à l’atelier de Seurat un jour, il a affirmé avoir vécu une « révélation de la couleur ».) Il est généralement admis, cependant, que van Gogh était un esprit trop agité pour un style aussi technique que le pointillisme. Le pointillisme a eu un impact important sur les mouvements artistiques ultérieurs qui ont également donné leurs noms en fonction des formes utilisées dans le mouvement artistique tels que le Cubisme ou le Digital Circlism.

12. Symbolisme (1880-1910) Le Symbolisme était un mouvement artistique de la fin du XIXe siècle d’origine française, russe et belge trouvant sa naissance dans la poésie et d’autres arts cherchant à représenter symboliquement des vérités absolues à travers des images métaphoriques et un langage principalement en réaction contre le naturalisme et le réalisme. En littérature, le style trouve son origine avec la publication en 1857 des Fleurs du Mal de Charles Baudelaire. Les œuvres d’Edgar Allan Poe, que Baudelaire admirait beaucoup et traduisaient en français, ont été une influence significative. L’esthétique a été développée par Stéphane Mallarmé et Paul Verlaine au cours des années 1860 et 1870. Dans les années 1880, l’esthétique s’articule autour d’une série de manifestes et attire une génération d’écrivains. Le terme « symboliste » a été appliqué pour la première fois par le critique Jean Moréas, qui a inventé le terme pour distinguer les symbolistes des décadents apparentés de la littérature et de l’art. En tant que forme d’art et moyen de transmission des déclarations philosophiques, le symbolisme a eu une grande influence dans la culture. Il y a littéralement des milliers de symboles conscients et inconscients utilisés chaque jour par tout le monde ; notre connaissance de ces symboles et de leurs origines n’est limitée que par notre désir de comprendre d’où ils viennent. Par exemple, de nombreux symboles utilisés dans le gouvernement des États-Unis sont issus du symbolisme maçonnique. La pyramide et l’œil qui voit tout sur le papier-monnaie en est un bon exemple ; nulle part dans la mythologie des États-Unis il n’y a de pyramide, ni d’œil autre que celui de Dieu. En fait, la pyramide est censée symboliser le pouvoir et la force, comme l’a déclaré explicitement Charles Thomson, le designer. Enfin, un bon exemple de symbolisme dans le monde moderne est l’omniprésence des marques de commerce, les insignes qui identifient instantanément les personnes, les lieux et les choses. Étant donné que l’insigne est destiné à représenter pleinement son propriétaire – les « Golden Arches » signifient MacDonald’s, le « Swoosh » signifie Nike – nous sommes formés pour reconnaître tous les aspects du propriétaire dans la marque d’identification.

13. Art Nouveau (1890-1910) Il s’agit d’un style international d’art, d’architecture et de art appliqué, en particulier les arts décoratifs, connus dans différentes langues par différents noms : Jugendstil en allemand, Stile Liberty en italien, Modernisme català en catalan, etc. En anglais, il est également connu sous le nom de Style moderne. Le style était le plus populaire entre 1890 et 1910. C’était une réaction contre l’art académique, éclectisme et historicisme du XIXe siècle architecture et décoration. Il s’inspire souvent de formes naturelles telles que les courbes sinueuses des plantes et des fleurs. D’autres caractéristiques de l’Art nouveau étaient un sens du dynamisme et du mouvement, souvent donné par l’asymétrie ou les lignes de coup de fouet, et utilisation de matériaux modernes, en particulier le fer, le verre, la céramique et plus tard le béton, pour créer des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts. des lignes de coup de fouet et l’utilisation de matériaux modernes, en particulier le fer, le verre, la céramique et plus tard le béton, pour créer des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts. L’un des objectifs majeurs de l’Art Nouveau était de briser la distinction traditionnelle entre les beaux-arts (en particulier la peinture et la sculpture) et les arts appliqués. Il a été le plus largement utilisé dans la décoration d’intérieur, les arts graphiques, l’ameublement, l’art du verre, les textiles, la céramique, la bijouterie et le travail du métal. De Belgique et de France, il s’est répandu dans le reste de l’Europe, prenant des noms et des caractéristiques différents dans chaque pays et il a eu une influence notable sur tous les mouvements artistiques suivants.

14. Fauvisme (1905-1910) Ce fut le premier projet du genre à réussir et à prospérer au 20e siècle. Henry Matisse, qui a conçu le projet, a ajouté un peu d’émotion à ses peintures. Il a ajouté des coups de pinceau et des couleurs vives à ses œuvres qui sont devenues plus attrayantes pour le public. Les peintures des Fauves se caractérisaient par un travail au pinceau apparemment sauvage et des couleurs stridentes, tandis que leur sujet présentait un degré élevé de simplification et d’abstraction. Le fauvisme peut être classé comme un développement extrême du style de Van Gogh, en quelque sorte du Postimpressionism fusionné avec le Pointillisme de Seurat et d’autres Néo-impressionniste peintres, en particulier Paul Signac. Les autres influences clés ont été Paul Cézanne et Paul Gauguin, dont l’emploi de zones de couleurs saturées, notamment dans les peintures de Tahiti, a fortement influencé le travail de Derain à Collioure en 1905. Le Fauvisme est encore présent de nos jours à travers les oeuvres d’artistes qui ne suivent aucune règle académique.

15. Expressionnisme (1905-1925) L’expressionnisme est davantage considéré comme une tendance internationale qu’un mouvement artistique cohérent, particulièrement influent au début du vingtième siècle. Il couvrait divers domaines : art, littérature, musique, théâtre et architecture. Les artistes expressionnistes ont cherché à exprimer une expérience émotionnelle plutôt que la réalité physique. Les peintures expressionnistes célèbres sont The Scream d’Edvard Munch, Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky et La femme assise aux jambes relevées d’Egon Schiele. L’expressionnisme est un terme complexe et vaste qui a signifié différentes choses à différents moments. Les gens, les lieux et les objets sont déformés ou exagérés. Même la nature est parfois déformée. Les scènes montrent un monde moderne hostile et aliénant. La sensation sinistre est amplifiée par des coups de pinceau agressifs et bruts. L’expressionnisme allemand était l’un des nombreux mouvements créatifs en Allemagne avant la Première Guerre mondiale, influençant l’architecture, la peinture, l’imprimerie et le cinéma. Les films expressionnistes utilisaient souvent des décors follement irréalistes et géométriquement absurdes avec des motifs peints sur les murs et les sols pour représenter les lumières et les ombres. Les intrigues de ces films traitaient souvent de folie, de folie et de trahison ainsi que d’autres sujets considérés comme intellectuels (par opposition aux sujets non intellectuels d’action et de romance). L’influence de l’expressionnisme allemand se retrouve également dans le cinéma américain.De nombreux réalisateurs allemands ont fui en Amérique pour échapper aux nazis pendant la Seconde Guerre mondiale et ont trouvé leur chemin vers Hollywood. Ici, les genres d’horreur et de film noir ont reçu le plus grand impact. Dans la culture cinématographique moderne, l’expressionnisme allemand est clairement visible dans le travail du scénariste/réalisateur Tim Burton, connu pour ses films fous, excentriques et bizarres. Batman Returns est d’ailleurs cité comme une tentative moderne de capturer l’essence de l’expressionnisme allemand. Vous pouvez le constater par vous-même en cliquant ici. Pendant que vous regardez, faites très attention à l’utilisation de la lumière, mais gardez également un œil sur certains costumes et décors totalement irréalistes ! L’expressionnisme allemand est également visible dans le film de 1990 de Burton, Edward Scissorhands, où le personnage de Johnny Depp ressemble au jumeau perdu depuis longtemps de Cesare du Dr Caligari. Dans son long métrage d’animation de 1993 The Nightmare Before Christmas, les décors animés reflètent grandement les décors de Caligari avec leurs rebondissements, leurs virages et leurs angles abrupts.

16. Cubisme (1908-1920) Le cubisme est un mouvement artistique d’avant-garde du début du 20e siècle qui a révolutionné la peinture et la sculpture européennes et a inspiré des mouvements connexes dans la musique, la littérature et l’architecture. Dans l’art cubiste, les objets sont analysés, décomposés et réassemblés sous une forme abstraite, au lieu de représenter les objets à partir d’un seul point de vue, l’artiste dépeint le sujet à partir d’une multitude de points de vue pour représenter le sujet dans un contexte plus large. Le cubisme est tout simplement considéré comme le mouvement artistique le plus influent du 20e siècle. En France, des ramifications du cubisme se sont développées, notamment l’orphisme, l’art abstrait et plus tard le purisme. L’impact du cubisme était de grande envergure et de grande envergure. En France et dans d’autres pays, le Futurisme, le Suprématisme, le Dadaisme, le Constructivisme, le Vorticisme, De Stijl et l’Art Déco se sont développés en réponse au Cubisme. Les premières peintures futuristes ont en commun avec le cubisme la fusion du passé et du présent, la représentation de différentes vues du sujet photographié en même temps, également appelée perspective multiple, simultanéité ou multiplicité, tandis que le constructivisme a été influencé par la technique de construction de la sculpture de Picasso à partir d’éléments séparés. D’autres points communs entre ces mouvements disparates incluent le facettage ou la simplification des formes géométriques et l’association de la mécanisation et de la vie moderne. L’influence du cubisme s’est étendue à d’autres domaines artistiques, en dehors de la peinture et de la sculpture. En littérature, les œuvres écrites de Gertrude Stein emploient des répétitions et des phrases répétitives comme blocs de construction à la fois dans des passages et des chapitres entiers. La plupart des œuvres importantes de Stein utilisent cette technique, y compris le roman The Making of Americans (1906-1908). Non seulement ils ont été les premiers mécènes importants du cubisme, mais Gertrude Stein et son frère Leo ont également eu une influence importante sur le cubisme. Picasso à son tour a eu une influence importante sur l’écriture de Stein. Dans le domaine de la fiction américaine, le roman de 1930 de William Faulkner As I Lay Dying peut être lu comme une interaction avec le mode cubiste. Le roman présente des récits des diverses expériences de 15 personnages qui, pris ensemble, produisent un seul corps cohérent. Les poètes généralement associés au cubisme sont Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon et Pierre Reverdy. Comme l’explique le poète américain Kenneth Rexroth, le cubisme dans la poésie « est la dissociation et la recombinaison consciente et délibérée d’éléments en une nouvelle entité artistique rendue autonome par son architecture rigoureuse. 17. Constructivisme (1914-1930) Développé par l’avant-garde russe vers 1914, le Constructivisme est une branche de l’art abstrait, rejetant l’idée de « l’art pour l’art » au profit de l’art en tant que pratique orientée vers des fins sociales. Le travail du mouvement était principalement géométrique et composé avec précision, parfois à l’aide de mathématiques et d’outils de mesure.

18. Futurisme (1909-1918) C’était un mouvement controversé qui, à un moment donné, a essayé de comparer les êtres humains à l’usinage. Son objectif principal était d’adopter la vitesse et l’innovation dans la société. Dans ce mouvement, Filippo Marinetti a proposé un manifeste sans limitation à l’art. Il y avait des architectes, des peintres et des écrivains. Les peintures dessinées à cette époque représentaient des automobiles, des trains et des animaux.

19. Suprématisme (1913-1918) Le Suprématisme est un mouvement artistique axé sur des formes géométriques de base, telles que des cercles, des carrés, des lignes et des rectangles, peints dans un nombre limité gamme de couleurs. Il a été fondé par Kazimir Malevitch en Russie et annoncé lors de la dernière exposition futuriste de peintures 0,10 de Malevitch en 1915 à Saint-Pétersbourg où il a, avec 13 autres artistes, exposé 36 œuvres dans un style similaire. Le terme suprématisme fait référence à un art abstrait basé sur « la suprématie du sentiment artistique pur » plutôt que sur la représentation visuelle des objets. Les premiers indices en ont émergé dans les croquis d’arrière-plan et de costumes que Kazimir Malevich a conçus en 1913 pour Victory Over the Sun, un Opéra futuriste joué à Saint-Pétersbourg. Alors que les dessins ont toujours une relation claire avec le Cubo-Futurisme (un mouvement artistique russe dans lequel Malevitch était fortement impliqué), les formes simples qui fournissent une base visuelle pour le Suprématisme apparaissent à plusieurs reprises.

20. Dadaïsme (1916-1924) Pendant la Première Guerre mondiale, d’innombrables artistes, écrivains et intellectuels opposés à la guerre se sont réfugiés en Suisse. Zurich, en particulier, était une plaque tournante pour les personnes en exil, et c’est ici qu’Hugo Ball et Emmy Hemmings ont ouvert le Cabaret Voltaire le 5 février 1916. Le Cabaret était un lieu de rencontre pour les artistes d’avant-garde les plus radicaux. A mi-chemin entre une boîte de nuit et un centre artistique, les artistes pouvaient y exposer leur travail entre poésie, musique et danse d’avant-garde. Hans (Jean) Arp, Tristan Tzara, Marcel Janco et Richard Huelsenbeck ont été parmi les premiers contributeurs du Cabaret Voltaire. Alors que la guerre faisait rage, leur art et leurs performances sont devenus de plus en plus expérimentaux, dissidents et anarchiques. Ensemble, ils ont protesté contre l’inutilité et les horreurs de la guerre sous le cri de guerre de DADA.

21. Surréalisme (1917-1950) Le Surréalisme était un mouvement culturel qui s’est développé en Europe à la suite de la Première Guerre mondiale et a été largement influencé par Dada. Le mouvement est surtout connu pour ses œuvres d’art visuelles et écrits et la juxtaposition de réalités lointaines pour activer l’inconscient à travers l’imagerie. Les artistes ont peint des scènes troublantes et illogiques, parfois avec une précision photographique, créant d’étranges créatures à partir d’objets du quotidien et développant des techniques de peinture qui ont permis de inconscient pour s’exprimer. Son objectif était, selon le leader André Breton, de « résoudre les conditions auparavant contradictoires du rêve et de la réalité en une réalité absolue, une super-réalité », ou surréalité. Les œuvres du Surréalisme provoquent la surprise, l’inattendu, la juxtapositions et le non sequitur. Cependant, de nombreux artistes et écrivains surréalistes considèrent leur travail comme une expression du mouvement philosophique d’abord et avant tout (par exemple, de « l’automatisme psychique pur » dont parle Breton dans le premier Manifeste surréaliste), les œuvres elles-mêmes étant secondaires, c’est-à-dire des expérimentations surréalistes. Le leader Breton a été explicite dans son affirmation que le surréalisme était avant tout un mouvement révolutionnaire. À l’époque, le mouvement était associé à des causes politiques telles que le communisme et l’anarchisme. Le mouvement artistique du Surréalisme a eu un grand impact dans l’histoire de l’art, la littérature, la culture et s’est même étendu à la politique. Le surréalisme est un acte créatif d’effort vers la libération de l’imagination. C’est aussi dynamique que subtil ; Le surréalisme est toujours vivant et en pleine croissance jusqu’à aujourd’hui. De nombreux artistes du monde entier sont influencés par les styles, les idées et les techniques du Surréalisme. Le Surréalisme a enseigné au monde à voir l’art non seulement visuellement et littéralement ; mais aussi de l’apprécier à un niveau subconscient. Aujourd’hui, le surréalisme est une forme d’art familière qui continue de croître à l’échelle mondiale. Il est facile pour les artistes de montrer leur créativité à travers le surréalisme, car le style leur offre plus de liberté pour exprimer leurs sentiments et leurs pensées à travers la toile. L’art surréaliste peut être rêveur, graveleux, triste, optimiste ou joyeux. 22. Art Cinétique (1920-1960) L’art cinétique dérive du mot grec « kinesis », qui signifie « mouvement ». Par conséquent, l’art cinétique fait référence à des formes d’art qui contiennent du mouvement. De manière générale, les œuvres d’art cinétiques sont le plus souvent des sculptures tridimensionnelles qui se déplacent naturellement (par exemple, alimentées par le vent) ou qui sont actionnées par une machine ou par l’utilisateur. Le mouvement artistique apparemment contemporain a en fait ses racines dans l’impressionnisme, lorsque les artistes ont commencé à essayer d’exprimer le mouvement dans leur art. Au début des années 1900, les artistes ont commencé à expérimenter davantage avec l’art en mouvement, avec des machines sculpturales et des mobiles faisant avancer l’art cinétique. Les artistes russes Vladimir Tatlin et Alexander Rodchenko ont été les premiers créateurs de mobiles sculpturaux, quelque chose qui sera plus tard perfectionné par Alexander Calder. En termes contemporains, l’art cinétique englobe des sculptures et des installations qui ont le mouvement comme principale considération. L’art cinétique est un mouvement artistique qui propose des œuvres contenant des pièces mobiles. Le mouvement peut être produit par le vent, le soleil, un moteur ou le spectateur. L’art cinétique englobe une grande variété de techniques et de styles qui se chevauchent.

23. Expressionnisme Abstrait (années 1940-1950) L’expressionnisme abstrait est un mouvement artistique post-Seconde Guerre mondiale dans la peinture américaine, développé à New York dans les années 1940. C’est le premier mouvement spécifiquement américain à acquérir une influence internationale et à placer New York au centre du monde de l’art occidental, un rôle autrefois occupé par Paris. Bien que le terme « expressionnisme abstrait » ait été appliqué pour la première fois à l’art américain en 1946 par le critique d’art Robert Coates, il avait été utilisé pour la première fois en Allemagne en 1919 dans le magazine Der Sturm, à propos de l’expressionnisme allemand. Aux États-Unis, Alfred Barr a été le premier à utiliser ce terme en 1929 à propos d’œuvres de Wassily Kandinsky.

24. Art Déco (1920-1935) Émergeant de l’Art nouveau dans les années 1920, le mouvement Art déco a tenté d’embellir des constructions fonctionnelles produites en série telles que des horloges, des voitures et des bâtiments. Il a atteint le sommet de sa popularité entre les deux guerres mondiales et a cherché à représenter le luxe, le glamour et le progrès technologique et social.

25. Pop Art (1950-1960) Le Pop Art est un mouvement artistique majeur qui a émergé au Royaume-Uni et aux États-Unis du milieu à la fin des années 1950. Le mouvement est né en contestation des traditions bourgeoises des beaux-arts en incluant des images de la culture populaire et de masse, telles que la publicité, les bandes dessinées et les objets banals produits en série. L’un de ses objectifs est d’utiliser des images de la culture populaire (par opposition à élitiste) dans l’art, en mettant l’accent sur les éléments banals ou kitsch de toute culture, le plus souvent par l’utilisation de l’ironie. Elle est également associée à l’utilisation par les artistes de moyens mécaniques de reproduction ou de techniques de rendu. Dans le Pop Art, le matériel est parfois visuellement retiré de son contexte connu, isolé ou combiné avec du matériel sans rapport. L’un de ses plus grands représentants est Andy Warhol. Le Pop Art est toujours présent dans l’art industriel d’aujourd’hui et aussi dans le Street Art.

26. Photoréalisme (1960-Aujourd'hui) Le Photoréalisme est un style d’art visuel qui concerne la capacité technique à épater les téléspectateurs. Principalement un mouvement artistique américain, il a pris de l’ampleur à la fin des années 1960 et dans les années 1970 en réaction contre l’expressionnisme abstrait. Ici, les artistes se préoccupaient le plus de peindre et de reproduire une photographie au mieux de leurs capacités, en planifiant soigneusement leur travail pour un grand effet et en évitant la spontanéité qui est la marque de l’expressionnisme abstrait. Semblable au Pop Art, le Photoréalisme se concentre souvent sur l’imagerie liée à la culture de consommation. Le mot Photoréalisme a été inventé par Louis K. Meisel en 1969 et est apparu sous forme imprimée pour la première fois en 1970 dans un catalogue du Whitney Museum pour l’exposition « Twenty-two Realists ». Il est également parfois étiqueté comme Super-Realism, Nouveau réalisme, Sharp Focus Realism ou Hyper-réalisme. Louis K. Meisel, deux ans plus tard, a développé une définition en cinq points à la demande de Stuart M. Speiser, qui avait commandé une importante collection d’œuvres des Photoréalistes, qui s’est ensuite développée en une exposition itinérante connue sous le nom de « Photo-Réalisme 1973 » : La collection Stuart M. Speiser’, qui a été donnée à la Smithsonian en 1978 et qui est présentée dans plusieurs de ses musées comme ainsi que de voyager sous les auspices de ‘site’. La peinture photoréaliste ne peut exister sans la photographie. Dans le Photoréalisme, le changement et le mouvement doivent être figés dans le temps qui doit ensuite être représenté avec précision par l’artiste. Les Photoréalistes rassemblent leurs images et leurs informations avec l’appareil photo et la photographie. Une fois la photographie développée (généralement sur une diapositive photographique), l’artiste transférera systématiquement l’image de la diapositive photographique sur des des toiles. Habituellement, cela se fait soit en projetant la diapositive sur la toile, soit en utilisant des techniques de grille traditionnelles. En fin de compte, comme dans beaucoup de choses dans l’art et dans la vie en général, la conclusion finale reste dans l’interprétation individuelle. La réponse réside dans l’œil du spectateur, que vous trouviez la tension artistique en elle ou que vous l’admiriez simplement pour son talent, le Photoréalisme est remarquable et étonnant en soi.

27. Installation (1960-Aujourd'hui) L »Installation est un mouvement dans l’art, développé en même temps que le Pop Art à la fin des années 1950, qui se caractérise par des constructions à grande échelle et mixtes, souvent conçues pour un lieu spécifique ou pour une période temporaire. Souvent, l’art de l’Installation implique la création d’une expérience esthétique ou sensorielle enveloppante dans un environnement particulier, invitant souvent l’engagement actif ou l’immersion du spectateur. L’art de l’Installation peut être temporaire ou permanent. Des œuvres d’art d’Installation ont été construites dans des espaces d’exposition tels que des musées et des galeries, ainsi que dans des espaces publics et privés. Le genre intègre un large éventail de matériaux quotidiens et naturels, qui sont souvent choisis pour leurs qualités « évocatrices », ainsi que les nouveaux médias tels que vidéo, son, performances, réalité virtuelle immersive et Internet. De nombreuses installations sont spécifiques au site en ce sens qu’elles sont conçues pour exister uniquement dans l’espace pour lequel elles ont été créées, faisant appel aux qualités évidentes d’un médium immersif en trois dimensions. C’est un mouvement très populaire au 21ème siècle.

28. Art Conceptuel (1960-Aujourd'hui) L’Art Conceptuel, parfois simplement appelé conceptualisme, était l’un des nombreux mouvements artistiques du XXe siècle apparus dans les années 1960, mettant l’accent sur les idées et les pratiques théoriques plutôt que sur la création de formes visuelles. Le terme a été inventé en 1967 par l’artiste Sol LeWitt, qui a donné son nom au nouveau genre dans son essai « Paragraphs on Conceptual Art », dans lequel il a écrit : « L’idée elle-même, même si elle n’est pas rendue visuelle, est autant une œuvre de l’art comme n’importe quel produit fini. L’Art Conceptuel est un mouvement artistique basé sur l’idée que l’idée ou le concept est l’essence de l’art. L’art n’a même pas besoin de prendre une forme physique. Cela peut être quelque chose que l’artiste dit ou fait ou un document de la pensée de l’artiste. Comme le dit Sol LeWitt, « l’idée elle-même est une œuvre d’art ». Ainsi, lorsque vous regardez l’art conceptuel au lieu de vous concentrer sur l’apparence de l’art, vous devriez vous concentrer sur le processus de réflexion de l’artiste et l’idée qui le sous-tend. L’Art Conceptuel, également appelé Conceptualisme, est un art dans lequel le(s) concept(s) ou idée(s) impliqué(s) dans l’œuvre priment sur les préoccupations esthétiques, techniques et matérielles traditionnelles. Certaines œuvres d’Art Conceptuel, parfois appelées Installations, peuvent être construites par n’importe qui simplement en suivant un ensemble d’instructions écrites. Cette méthode était fondamentale pour la définition de l’art conceptuel de l’artiste américain Sol LeWitt, l’une des premières à apparaître sur papier. Dans l’art conceptuel, l’idée ou le concept est l’aspect le plus important de l’œuvre. Lorsqu’un artiste utilise une forme d’art conceptuelle, cela signifie que toute la planification et les décisions sont prises à l’avance et que l’exécution est une affaire de pure forme. L’idée devient une machine qui fait l’art.

29. Minimalisme (1960-Aujourd'hui) L’Art Minimaliste a évité l’expression artistique, préférant garder les choses littérales (comme l’a dit l’un des fondateurs du Minimalisme, le peintre Frank Stella, à propos du mouvement : « Ce que vous voyez est ce que vous voyez »). L’extrême simplicité était la clé de ce mouvement, où médium et matériaux volaient la vedette aux artistes derrière eux. Apparu à New York au début des années 1960 (et également connu sous le nom d’art ABC, littéralisme, art littéral, réductivisme et art réjectif), le Minimalisme était caractérisé par la rareté. C’est un mouvement principalement américain dans les arts visuels et la musique originaire de New York à la fin des années 1960 et caractérisé par une extrême simplicité de forme et une approche littérale et objective. L’art minimal, ainsi que la musique d’Erik Satie et l’esthétique de John Cage, ont eu une influence distincte sur la musique minimaliste. Réagissant contre le style complexe et intellectuellement sophistiqué de la musique moderne, plusieurs compositeurs ont commencé à composer dans un style simple et littéral, créant ainsi une musique extrêmement simple et accessible. Tant dans la musique que dans les arts visuels, le Minimalisme était une tentative d’explorer les éléments essentiels d’une forme d’art. Dans les arts visuels minimalistes, les éléments personnels et gestuels ont été supprimés afin de révéler les éléments objectifs et purement visuels de la peinture et de la sculpture.

30. La Performance (1960-Aujourd'hui) L’art de la Performance est un terme apparu dans les années 1960 pour décrire différents types d’oeuvres créés par des actions réalisées par l’artiste ou d’autres participants, qui peuvent être en direct ou enregistrées, spontanées ou scénarisées. La performance défie les conventions des formes traditionnelles d’art visuel telles que la peinture et la sculpture en embrassant une variété de styles tels que les événements, l’art corporel, la peinture corporelle, les actions et les événements.

31. Land Art (1965-Aujourd'hui) Le Land Art, connu sous le nom d’art de la terre, d’art environnemental et de terrassement, est un mouvement artistique qui a émergé dans les années 1960 et 1970, largement associé à la Grande-Bretagne et aux États-Unis. mais cela inclut également des exemples de nombreux pays. En tant que tendance, le « Land Art » a élargi les frontières de l’art par les matériaux utilisés et l’emplacement des œuvres. Les matériaux utilisés étaient souvent les matériaux de la Terre, y compris le sol, les roches, la végétation et l’eau trouvés sur place, et les sites des travaux étaient souvent éloignés des centres de population. Bien que parfois assez inaccessible, la documentation photographique était généralement amenée à la galerie d’art urbain. Le Land Art, terme inventé par l’artiste Robert Smithson, est un mouvement qui s’est produit aux États-Unis à la fin des années 1960 et dans les années 1970. Cependant, cette forme d’art existe depuis des milliers d’années. Le Land Art est une œuvre d’art créée avec et incarnée par le paysage physique. Le mouvement cherchait à sortir l’art des musées et à le placer dans un contexte naturel. De nombreuses œuvres de Land Art sont temporaires ou laissées à changer avec les éléments de la nature. L’œuvre la plus connue du Land Art contemporain est Spiral Jetty (1970) que Smithson a créé comme une saillie dans le Grand Lac Salé de l’Utah. La caractéristique essentielle du Land Art est le lien indissociable entre l’œuvre d’art et le paysage dans lequel elle est placée. Le Land Art est souvent composé de matériaux tels que la pierre, la roche mère, l’eau, les branches et d’autres éléments naturels, mais le béton, le métal et les pigments sont également souvent utilisés. Initialement, le Land Art est devenu populaire dans le sud-ouest américain, mais ces œuvres n’existent plus que sous forme de photographies ou d’enregistrements. Les artistes de ces œuvres ont commencé à créer du Land Art comme un moyen de condamner l’artificialité de l’art commercialisé qui était populaire à leur époque. La première œuvre appelée Land Art a été créée à l’école de peinture et de sculpture de Skowhegan par les artistes Douglas Leichter et Richard SabaL

32. Digital Circlism (2010-2020) Grâce à l’utilisation de logiciels graphiques et de beaucoup de créativité, Ben Heine, l’inventeur du Digital Circlism, recrée des visages emblématiques de l’histoire et de la culture Pop avec des cercles plats de différentes tailles et couleurs, afin de leur donner un aspect dynamique et tridimensionnel. Heine le définit comme une synthèse du Pop Art (art comprenant des images de la culture populaire) et du pointillisme (technique de peinture qui utilise de petits points distincts de couleur pure). Dans cette série, Heine développe une version numérique et moderne du pointillisme en faisant des « points » de véritables cercles reconnaissables avec lesquels il crée des portraits de stars mondiales. La technique du cercle de Heine ajoute une signification symbolique aux sujets représentés. « Ces portraits sont aussi frappants que la photo emblématique d’Alberto Korda du Che, mais soudainement repensés pour être projetés à l’infini dans des espaces numériques. Ce mouvement rappelle aussi le vitrail. Chaque portrait nécessite entre 100 et 180 heures de travail pour être réalisé. L’artiste a expliqué son flux de travail dans une interview pour Adobe Photoshop.

33. Pencil Vs Camera (2010-2021) Pencil Vs Camera est un concept visuel original inventé et popularisé par Ben Heine depuis avril 2010. C’est l’un des concepts artistiques les plus créatifs et les plus puissants du 21e siècle. Les images de cette série montrent généralement un croquis dessiné à la main tenu et photographié par l’artiste pour insuffler à des scènes ordinaires de nouveaux récits surréalistes, visionnaires ou romancés. L’idée rappelle la réalité augmentée. La main visible de Ben représente le lien entre le spectateur, l’artiste et l’œuvre d’art. Heine ne recrée pas les photographies, mais il les réimagine. Dans ces images, il raconte une histoire et transmet des messages intemporels en utilisant l’imagination, l’illusion, la poésie et le surréalisme. Son travail est alimenté par une positivité intrépide. Une photo déjà belle est rehaussée d’un croquis qui ajoute une touche de satire et de fantaisie. Partant de simples croquis, Ben a apporté des innovations majeures au concept en 2012 et 2013, en ajoutant des couleurs et du papier noir ou en augmentant la taille des dessins. Les premières images de Pencil Vs Camera de Heine ont rapidement gagné en popularité et ont reçu des critiques positives de la part de revues d’art spécialisées. Depuis 2012, de nombreuses applications pour smartphone émulent le style de Heine’s Pencil Vs Camera. Plusieurs autres artistes ont également emprunté aux innovations de Heine pour créer des variations de son Pencil Vs Camera. Le concept est devenu un véritable mouvement artistique quand des centaines de milliers de jeunes s’y sont essayés aux quatre coins du monde. Le concept est également devenu populaire dans de nombreuses écoles primaires et secondaires du monde entier. Il est utilisé pour stimuler l’imagination des élèves et les encourager à utiliser les nouvelles technologies et à partager leurs idées. Article textuel: © Ben Heine – Cet article est protégé par le copyright